摘 要:在“铸牢中华民族共同体意识”的国家战略背景下,宏大叙事如何转化为可感的微观体验是一个重要议题。面对当前民族文化符号化挪用及中国画创作“重形式轻内容”的问题,将巴地多民族共同记忆引入中国画创作,成为一条可行的审美突围路径。巴地记忆特有的具身性与温度感,为中国画“以意造象”提供了丰厚土壤。文章剖析了这一视觉再造的内在理路:经由身体经验向笔墨语汇的提炼、物形写生向意境造境的升华,实现记忆的意象重构;其核心在于以笔墨修辞唤醒情感共鸣,使共同体意识在审美沉浸中潜植为个体的感性确证。这不仅赋予沉睡记忆以当代神韵,也可以为民族地区文化资源的艺术转化与公共美育提供了实践向度。
摘 要:河南省巩义石窟寺飞天纹饰的动势生成机制,体现为工匠对材料与空间的创造性调适。研究以其飞天身体运动轨迹与岩壁媒介的互动为核心,揭示其韵律建构逻辑:飞天形态通过肢体扭转、衣带垂转与岩面凹凸的协同作用,突破二维局限,在有限空间中形成多维运动张力。这种以“形随势生”为原则的动态体系,既延续印度佛教的升腾叙事,又融入中原造像对线性节奏的掌控,折射出北魏至唐佛教艺术视觉范式的在地化创新路径。
摘 要:山水画是古代文人情感的寄托、精神的栖居地。在积极倡导生态文明建设,推进人与自然和谐共生的当代社会,山水画在审美取向、创作思想、精神内核等层面都与生态美学具有高度的契合性。以中国古代山水画理论为对象,系统阐述古代画论思想中的生态美学意识,例如生态整体、动态演化、万物同源、物我共生、可持续发展等观念。这些意识均体现出人与自然精神相通、生命相容的关系,形成了独具特色的生态审美体系,是传统生态智慧的艺术化呈现,也为当今生态文明建设与山水画创新发展提供了理论参考与实践借鉴,为推进人与自然和谐共生提供了思想启迪。
摘 要:“妙在似与不似之间”是中国绘画美学之中的一个重要的艺术主张与核心命题,此艺术主张由齐白石、黄宾虹等多人提出。“妙在似与不似之间”不仅是一种画学思想的展现,更是中国哲学思想对中国艺术影响的体现。文章旨在运用文献研究法、例证分析法等方法,以李巍在《中国·高等美术院校国画名家教学画稿》之中的艺术教学内容为例证,来考察“妙在似与不似之间”的艺术思想,在写意花鸟创作乃至在艺术创作之中的重要性与不同语境下的差异性。通过举例论证得出:李巍先生对于“妙在似与不似之间”的阐释与其他艺术家的理解存在不同,“似”与“不似”放在不同范畴之内的有不同所指,并积极探索艺术创作达到“妙在似与不似之间”效果的途径。
摘 要:文徵明于 1549 年和 1557 年分别为华夏作《真赏斋图》两卷(上海博物馆藏本与中国国家博物馆藏本),其空间配置从开放雅集向封闭书斋的转换,构成了检验潘诺夫斯基图像学方法适用性的理想个案。依循图像学“前图像志描述—图像志分析—图像学阐释”的三层模型展开分析,发现该框架在应对文人画“诗书画印”一体化表意逻辑时存在结构性局限:笔墨语言的不可编码性、“卧游”美学的过程性特征以及题跋系统对作品边界的开放性拓展,均与图像学预设的符号固定性形成张力。基于此,本文提出方法论重构路径,在前图像志层面引入笔墨物质性分析,在图像志层面整合社会网络理论,在阐释层面转向微观历史与动态生成机制。
摘 要:敦煌飞天艺术于唐代臻于鼎盛,其演变轨迹是多元文化交融与时代审美嬗变的直观表征。唐代飞天的造型特征体现在四个方面:形象上完成从男性向女性的性别转型,动态上形成“S”形曲线,线条上由僵硬转为灵动飘逸,设色上趋于富丽华美。唐代飞天艺术风格的形成,依托于国力强盛与佛教发展的社会语境、开放包容的社会风气与审美转向,以及多元地域文化的进一步融合。唐代飞天实现了从佛教信仰符号到民族美学符号的升华,体现了唐代艺术的创新活力与开放品格。
摘 要:达摩是南朝梁时期的高僧,其图像自唐代起广为流传,屡见于僧人画家与文人墨客的创作之中,成为书写禅意、寄寓情怀的重要载体。然考诸历代画作,其形象并非一成不变。整体上达摩图像的演化过程是从禅门观修的媒介,转变为文人寄寓情怀的载体,最终演化为具有民间吉祥寓意的文化符号。为理清达摩图像演变过程,以宋、元、明、清四代绘画为线索,探讨达摩图像演变轨迹。
摘 要:顾恺之《洛神赋图》以曹植《洛神赋》为蓝本,学界围绕画作所蕴含的“传神”理念,以及绘画语言对文学文本的转化与表现,已形成诸多研究成果。然而,对画作意境的生成路径、顾恺之如何在创作中践行“以形写神”与“虚实相生”法则,以及二者如何通过“形神”协同表现,共同升华为超越文字载体的审美意境,仍存在进一步深挖的空间。以辽宁省博物馆藏《洛神赋图》卷为研究对象,立足作品本体分析,旨在探究顾恺之如何以“以形写神”为核心创作理念,通过绘画语言的精妙运用,构建出虚实交融的诗意意境。
摘 要:“素屏”意象在1360年左右成为文人画中的重要母题,被认为最早出现在王蒙隐居后绘制的山水画中。明初文人画家延续这一传统,使其逐渐成为通俗化意象。屏风作为传统室内空间的核心陈设,在明代也搬移到了室外空间,其不仅仅是物理空间的元素,更成为串联图像叙事、传递文化内涵的视觉枢纽。以尤求为例,聚焦博古题材人物画中素屏图像的空间叙事逻辑,剖析其在空间划分、视觉引导及文化隐喻中的价值,揭示明代士大夫的精神世界与审美追求在图像中的具象化呈现。
摘 要:《山海经》作为先秦神话地理典籍,被誉为“神话之渊府”,以极简文字构建了先民想象中的神怪异兽谱系,承载着上古自然崇拜、图腾信仰与宇宙认知。山东沂南汉画像石作为东汉墓葬艺术的典范,以石刻图像形式再现了丰富的神怪形象,是《山海经》文本从文字到图像的关键转化载体。以《山海经》神怪异兽为核心研究对象,结合沂南汉画像石的图像遗存,通过典型神兽的举例分析,梳理二者在形象塑造、文化内涵、信仰表达上的内在关联,探讨先秦神话文本在汉代的图像化传承、艺术重构与功能转型,从神话学、艺术学与文化人类学视角,揭示神怪异兽形象所蕴含的华夏先民精神密码与汉代丧葬信仰内核,明晰《山海经》与汉画像石在中国神话史、美术史上的双向互动价值。
摘 要:《步辇图》作为初唐工笔重彩人物画的巅峰之作、汉藏民族交融的经典视觉史料,奠定了中国古代历史人物画以形写神、以图证史的创作范式,传达了唐、蕃和亲的民族友谊与大唐盛世的气度风华。自古以来,就被无数人视作汉藏交融的文化瑰宝及研究唐代艺术与历史的珍贵标本。基于此,对《步辇图》的研究可称为跨越艺术、历史、民族学等多领域,学术界持续深耕的经典课题。拟以宋代米芾《画史》中评《步辇图》“人后脚差”的观点为切入点,结合唐代绘画的艺术特征、画面构图的表现逻辑,深入探讨关于《步辇图》中人物的后脚,是否真的如米芾所言画得差还是另有其深意?以期为《步辇图》的艺术研究与真伪辨析提供新的思路。
摘 要: 岭南画派在中国近现代美术史上是“折衷中西,融汇古今”的革新代表,其“撞水撞粉”技法十分突出,并不是简单的技巧,而是承载画派革新精神的核心技术载体与美学观念的视觉呈现。系统梳理“撞水撞粉”技法的继承脉络,探讨该技法如何与岭南画派“重视写生”的艺术实践紧密结合,一起建立一种既扎根民族传统,又有现代视觉张力的新国画面貌。“撞水撞粉”在岭南画派中,从传统的没骨花鸟技法,变成了一套服务写生、寄托时代情感的绘画语言。
摘 要:任伯年花鸟画的“速写感”并非草率简略,而是以最少笔墨在最短观看时间内完成“动势—气息—生理质感”三重信息传达的能力。其动态捕捉依托于四个可操作环节:构图先取势,以枝干与留白组织运动动线;用笔分疾徐,以提按顿挫呈现速度与受力;墨法重呼吸,以干湿浓淡与渗化生成空气流动;设色善点醒,以小面积高纯度色点锁定动作发生处。本文以技法链条拆解任伯年的动态生成机制,并提出可迁移的临摹与创作训练路径。
摘 要:《康熙南巡图》是清代宫廷纪实绘画的巅峰之作,在流传中,形成了不同阶层的多元视觉解读。本文从特定的历史社会语境出发,揭示观者观看行为背后的权力、文化建构,挖掘中国绘画所呈现的复杂性与丰富性。传统美术视域下《康熙南巡图》研究成果丰富,但艺术作品的意义并非预设固化,而是在观者与作品的互动中动态生成。《康熙南巡图》多元视觉解读的张力与平衡,不仅有助于更好地理解中国绘画创作的深刻内涵,对当代的艺术创作与实现价值共鸣也提供了重要启示。
摘 要:当前学界不乏对于唐代宫女命运的研究,但大多聚焦于后宫制度而非女性形象。本文旨在探讨唐代宫怨主题绘画中女性角色的风格特点。运用沃尔夫林的风格分析法对唐代墓室壁画、张萱、周昉等的作品进行分析和比较,把艺术作品的形式因素作为观察对象,挖掘女性形象塑造在宫怨背景下的艺术特点。唐代女性角色的风格特点不仅反映了当时的社会文化环境,也体现了不同艺术家对女性美的独特理解和表达。
摘 要:写意油画是油画民族化的产物。在推动油画民族化的历程中,吴大羽的贡献不可忽略。吴大羽的艺术生涯大体可分为三个阶段,本文主要关注的是其晚期的写意精神和油画艺术的结合,并从其早期的学习和作品的艺术语言出发,结合其提出的“势象”“彩韵”等概念,分析其油画作品中的写意性,探讨吴大羽的写意油画、油画民族化对后世油画创作的影响,以及如何在延续东方审美意趣之下,以当代语境和历史发展中实现对传统文化的关怀。
摘 要:莱辛的《拉奥孔》以“论诗画的界限”为副题,但其旨趣不止于区分诗与画,而是揭示诗画如何依据各自的媒介特性,实现对其特有题材的突破。本文重审这一命题,指出“自由”与“想象”是贯穿全书的两条隐性线索,二者共同构成一种动态协作的关系:“诗”因语言的抽象性而享有更大的自由,但也易使想象涣散,故需通过“化静为动”“化美为媚”等手法收缩想象,使物象聚焦;“画”因凝固于单一情景而限制想象,故需选取“包孕性时刻”释放想象,使静止画面也蕴含剧情张力。正是在“自由”与“想象”的灵活缩放中,诗与画能够在持守界限的同时,实现跨媒介叙事。这一视角有助于丰富当今对“诗画异质观”的重新解读。由此出发,对莱辛在西方美学史上的位置,以及其诗画理论的当代意义也略作评述。
摘 要:门与窗是20世纪美国画家安德鲁·怀斯作品中反复出现的核心视觉母题,但它们在怀斯笔下并非简单的建筑局部,而是承载复杂情感的心理界面。本文以怀斯跨越半个世纪创作生涯中的代表性作品为研究对象,聚焦门窗这一建筑元素如何在写实主义绘画中传达细腻而深沉的情感。文章首先梳理门窗在中国传统文化与西方绘画中的寓意脉络,为理解怀斯的情感表达建立比较语境。在此基础上,从视觉结构、内外空间关系、光影处理与抽象构成等角度切入,揭示怀斯如何通过门窗的开启与闭合、内外视点的转换,将向往与寂寥、归属与疏离、生者与逝者之间的情感张力凝练于画面之中。而怀斯笔下的门窗之所以具有持久的情感力量,正在于它们既是画家个人记忆的真实投射,又超越了具体经验,成为人类普遍情感的载体,在那些沉默的门与窗前,观者得以完成属于自己的凝视与回望。
摘 要:鲍里斯·扎布罗夫的肖像画常以晕染技法与刻痕肌理,使画中面孔趋于消隐,在可见的表层之下敞开一个“不可见”的维度。本文以“身体性”为核心线索,从形式、记忆、触觉等层面探讨其肖像画中可见与不可见的交织。首先,通过对精神分析视域下凝视的视觉抵抗,揭示画中目光如何使被看者的身体成为意义的交织中心;其次,剖析个人与历史创伤如何沉积为面孔上的刻痕肌理,使身体成为历史痕迹的载体;最后,引入列维纳斯的伦理视野,揭示触觉维度的视看如何回应来自消隐面孔的沉默召唤。扎布罗夫笔下隐匿的面孔并非存在的缺席,而是不可见者借可见肌理显现的方式——它们寄居于刻痕与记忆之间,成为面孔退场之处的在场。
摘 要:本文聚焦19世纪美国风俗画中的黑人形象,讨论其如何在不同图像体裁中被安排进不同的观看位置。通过对商业印刷图像、白人现实主义风俗画与黑人艺术家作品的比较分析,本文指出:库里尔与艾夫斯出版社等大众图像将黑人固定为可供嘲笑与规训的对象;芒特、约翰逊与霍默则在不同语境下赋予黑人以日常性、家庭性与历史感,但并未真正交出图像的主导权;至坦纳《班卓琴课》,“老黑人与班卓琴”这一种族化母题被改写为关于教育、传承与体面生活的图像。本文认为,这些不同的观看机制并非线性替代,而是在19世纪美国视觉文化中长期并行、相互覆盖并竞争着对黑人形象的定义权。
摘 要:在性别尚未平等的社会中,女性身体在作品中被完全物化,以满足男性的心理。男性的凝视和观看,不仅使男性在视觉上得到满足,更构建起男性的优越感和霸权地位。这种权力关系使女性处于不平等的社会关系中,成为男性的视觉对象和消费对象。然而,崔岫闻的作品通过颠覆传统视角,将女性身体从被动凝视对象中解放出来,赋予其主动表达与抗争的力量。本文采用文献研究、案例分析和理论应用相结合的方法,对视觉权力、性别叙事及裸体油画等概念进行了深入探讨,通过分析具体作品,揭示了视觉权力的建构与解构过程,并运用福柯的权力理论和拉康的“镜像阶段”理论进行阐释,突出了研究的系统性和理论支撑。
摘 要:金华木版年画是浙中地区代表性民间民俗美术形态,其发展与婺州雕版印刷传统、民间信仰体系及区域文化交流密切相关。本文以宋代文献、馆藏实物、明清地方志等为核心考据资料,系统梳理其历史发展脉络,研判其当代生存境遇,构建多维度活态传承保护路径。金华木版年画在五代至宋元时期完成雕版技术与文化生态的双重积淀,于明清时期形成区域性民间年画流派,近代受现代印刷技术冲击趋于式微,当代依托非遗保护体系实现复苏。其文化价值突出体现在乡土性、民俗性与技艺独特性层面,构建多元协同的保护路径,有助于实现其活态延续与长远发展。
摘 要: 在非遗活态传承背景下, 天津国家级非遗杨柳青年画承载深厚地域文化与民俗情感, 却面临传承断层、受众脱节等困境, 文化价值难以对接当代需求。本文以情感化设计理论为支撑, 结合相关理论, 梳理杨柳青年画的文化特质与传承现状, 挖掘其情感内核, 从本能层、行为层、反思层构建贴合当代受众的创新传承路径, 为杨柳青年画活态传承及同类地域非遗情感化创新提供实践参考与范式。
摘 要:在以模仿高等级礼仪建筑为手法的四川清代墓葬建筑上,石狮成为最具代表性的装饰图像之一。本文通过对墓葬建筑上石狮的空间位置、造型特征与象征意涵进行系统研究,发现石狮在空间位置上遵循“对称递进、由开到合”的分布逻辑;在石狮造型上,注重身体的扭转、毛发的梳理和与配饰叠加,体现“繁复神秘、活泼生动”的形态特征;在文化意涵上,石狮在继承镇墓辟邪功能外,还通过谐音、吉祥物件组合,表达出“事事如意、子孙绵延”的愿景,最终体现“家合”的意指。对这些普遍流行的石狮雕刻装饰的研究,不仅呈现了清代四川地区的发达且精湛的民间石雕工艺,更揭示出中国民间文化对吉祥美好生活的追求。
摘 要:16-17世纪,中国瓷器经由海上贸易大量进入欧洲市场,对欧洲陶瓷生产及装饰审美产生重要影响。在此背景下,意大利利古里亚地区逐渐发展出以单一钴蓝色料绘制的“蓝白”(bianco-blu)风格马约里卡陶器。本文以17世纪利古里亚“蓝白”风格马约里卡陶器为研究对象,通过对其不同时期与不同装饰类型的比较分析,探讨中国瓷器装饰风格在利古里亚马约里卡陶器中的传播及其阶段性变化。研究表明,利古里亚陶器工匠在吸收中国瓷器蓝白配色及装饰元素的基础上,通过选择性模仿、本土化改造与多元文化融合,逐渐形成具有鲜明地域特征的马约里卡陶器。中国瓷器装饰风格在利古里亚马约里卡陶器中的运用呈现出由整体性图像模仿转向典型纹样提取与符号化的阶段性变化,并在陶瓷装饰层面呈现出多元文化融合的特征。
摘 要:清代广州玻璃画是18至19世纪中西贸易与文化交流催生的独特艺术形态。它是商品、技术、审美与跨文化想象的复合载体。本文以跨文化物质分析为视角,探讨广州玻璃画如何在“一口通商”的历史语境下,通过吸收与转化欧洲玻璃技术,创新出“广铸玻璃”及反向绘制、画镜一体等独特工艺,实现了材料与技法的跨文化融合。在审美层面,文章进一步解析玻璃画如何被西方市场浪漫化为“东方梦境”,其画面内容成为西方“中国风”审美期待与中国工匠创造性诠释的共同产物。广州玻璃画不仅是早期全球化中知识流动与审美转译的生动见证,也为理解艺术与技术在特定历史语境中的互动范式提供了典型案例。 关键词:清代广州玻璃画;跨文化交流;广铸玻璃;反向绘制技法;东方梦境
摘 要:装裱是否该纳入书画评价体系,一直以来都是一个值得讨论的问题。本文以米芾《画史》中关于装裱的论述为中心,结合历代画论文献,论证装裱应当纳入书画评价体系的观点。研究着重于以下三点:第一,装裱是艺术创作过程中“承上启下”的有机环节;第二,装裱形式反向塑造着书画的创作方式与审美标准,如手卷与立轴的不同视觉机制直接促成了山水画论中“远”范畴的发展;第三,米芾将“平淡天真”的文人审美注入装裱实践,使装裱从工匠技艺升华为具有文化品格的精神活动。最后,得出应该将装裱纳入书画评价体系的结论,不仅有助于还原中国书画艺术的整全性,也为理解“技进乎道”的传统艺术观念提供了新的视角。
摘 要:本文聚焦于美育理念浸润视域下高校中国画课程思政建设路径,旨在探讨如何将美育与思政教育有机融合于中国画课程教学中。在当下教育环境中,高校课程思政建设已成为教育改革的重要方向,而中国画作为具有深厚文化底蕴和艺术价值的学科,其课程思政建设具有独特的意义和价值。美育理念的浸润,能够引导学生在学习中国画技巧的同时,深入理解其中蕴含的思政元素,提升学生的审美能力和思想道德素养。本研究将分析当前高校中国画专业课程思政建设的现状与挑战,提出美育与思政相融合的策略,并阐述具体的实践进路,以期为高校中国画课程思政建设提供有益的参考和借鉴。
摘 要:在初中美术传统文化教学中,课堂往往存在教学内容浅层化、教学方法单一化以及教学评价标准化等问题,学生缺少真实深刻的学习体验。具身认知理论关注认知与身体体验、动作参与以及情境交互之间的紧密关联,为改善传统文化教学带来新角度。基于此,本文从具身认知视域出发,结合初中美术课程实践,以“神奇瑞兽”教学为例,围绕具身感知、具身建构与具身发展三个层面,探讨具身认知理念在传统文化教学中的具体运用方式。引导学生在感官体验,情境操作和过程评定中参与学习,促进其对瑞兽文化内涵的理解与建构。研究表明,具身认知取向的教学实践有益于优化学生的课堂参与度并加深其文化体验深度,为初中美术传统文化教学的实践创新提供参考。
摘 要:湖北民间美术蕴含着丰富的文化与艺术价值。本研究旨在探讨如何系统性地将其精髓转化为适宜的儿童美育产品,从而实现文化活态传承与赋能儿童素养的双赢。针对目前转化中存在的文化内涵与儿童适配不足、市场化路径不畅等问题,秉持“科学性、差异性、开放性”的基本原则,以降维转化、多维联创、知行合一为抓手,建构“资源层—活化层—成果层—传播层”的多元转化路径。资源层聚焦文化基因库与适童化设计,活化层通过非遗传承人与多领域专业人士协同进行创意赋能,成果层产出游戏、教具、课程、周边等多形态产品,传播层则构建线上线下一体、学校教育与社会普及结合应用并进的矩阵。
摘 要: 在高速发展的现代社会与“后疫情时代”, 人们面临着诸多生活压力与心理负担, 艺术疗愈作为一种独特的心灵慰藉方式, 逐渐受到关注。而丰子恺作为中国现代漫画的先驱, 其漫画作品以简练的线条、质朴的生活场景和温暖的人文关怀构建出独特的艺术世界, 蕴含着深刻的艺术疗愈价值。文章从艺术疗愈视角出发, 通过对丰子恺漫画的艺术风格及其传递的艺术思想进行分析, 探讨其作品中的“绝缘”“童心”“同情”等艺术思想在传递真善美、引发情感共鸣、净化人心等方面所展现的疗愈功能。 关键词: 丰子恺漫画; 艺术疗愈; 视觉语言; 美育
摘 要:噶玛嘎孜唐卡作为藏族唐卡的三大画派之一,兼具宗教神圣性与市场商品性的双重属性。在UGC平台深度嵌入的当下,噶玛嘎孜唐卡虽得到了广泛的传播,却也面临着图像盗用、恶意篡改、版权模糊等侵权现象。全文将从艺术创作与生态结构、UGC平台发展、版权保护实践三个层面论述版权保护的必要性,厘清噶玛嘎孜唐卡版权保护的多维路径,从法律制度制定、数字技术应用、行业自治培训等角度提出应对思路,探索传统文化知识与现代版权保护的衔接点。
摘 要:本文从创作者以人民为中心的创作立场作为根基、画面叙事里民众的主体性表达作为核心、艺术接受过程中大众情感共鸣作为价值落点,文章紧扣当代城市山水画创作转型这一核心命题,将传统文人画中人民视角被审美遮蔽的现象作为辩证参照,梳理民众主体性表达存在的历史局限。文章阐释了城市山水画通过人民视角实现叙事主体转换的路径,也分析了这类作品如何锚定日常空间与情感记忆进行表达。从学术价值来看,城市山水画的这一创作转向,本质上是对艺术人民性内核的回归。
摘 要:演说在清末成为启蒙民智、宣扬救国思想的重要方式,形成了广泛的“演说风潮”。1905年创刊于广州的《时事画报》是一份与革命紧密相连的刊物,其办报团队敏锐捕捉到演说的社会影响力,通过制作与刊载时事新闻画的方式,生动再现了大量国内外演说场景,演说内容涉及政治革命、破除迷信、女性权益、医疗卫生等多重主题。创作者借助演说情境的构建,将地方启蒙纳入全球进步叙事,在图像中塑造出人人皆可参与公共讨论的民主氛围,以图文互证的方式促成情感动员与观念传播。《时事画报》中的演说图像不仅是社会活动的视觉记录,更是一种以视觉叙事的方式建构公共讨论空间、推动启蒙实践的媒介策略。