当泛黄典籍里的墨香,遇上婉转悠扬的丝竹乐声,图书馆的边界正在悄然发生变化。长久以来,图书馆的标签就是藏书与借阅,剧场则专属于舞台艺术表演,两套公共文化体系各自运转,彼此的空间、受众、内容资源几乎互不相交。近些年来,国内一大批城市陆续落成新的公共图书馆,不少场馆配套建设了剧场、多功能报告厅,硬件条件不可谓不好。但一个很现实的问题随之而来:重建设、轻内容。宏伟的建筑拔地而起,却拿不出持续稳定的优质文化
“单簧管有一种‘诉说感’的魅力,它可以唱出人们内心的忧伤,就如同大海中海妖的吟唱。” ... “在舞台上经历得越多,我越发知道,原来我是一个有魅力的人。也因此,我越来越相信我自己。” ——王滔 “是单簧管选择了我” 王滔三岁半开始学习二胡,六岁改学大提琴,可早年的学习经历却非常不顺利。一次,一位老教授在听完他的听音测试后,便向他的父亲断言:“这个孩子不适合学音乐。”这也使王滔给自己下了个
摘要:钢琴漆面是保护乐器木质结构、提升外观质感与使用价值的关键表层结构。现阶段钢琴制造工艺持续升级,不饱和聚酯树脂漆、硝基漆、水性漆已得到广泛应用,但不同漆面的理化性能、耐受条件存在显著差异。多数钢琴使用者缺乏专业养护常识,常直接使用普通毛巾擦拭琴体表面;加之部分钢琴摆放位置不合理,长期受阳光直射、环境温湿度剧烈波动等因素影响,易造成漆面失光、黄变、划痕、开裂等不可逆损伤。本文结合几种常见钢琴漆面的材质特点,分析漆面老化与破损的主要诱因,针对性梳理差异化养护办法,搭建长效老化防护方案,纠正日常保养中的常见误区,以此延缓漆面老化速度,降低维修成本,为广大钢琴使用者在日常维护中提供实用参考。
摘要:本文以中国新疆维吾尔族热瓦普和乌兹别克热瓦普为研究对象,从形制、工艺、文化内涵三个方面作了对比研究,梳理出中国热瓦普多元形制谱系的发展脉络,以及乌兹别克热瓦普逐步走向规范化的演变轨迹,分析了二者在手工制作与标准化制作上的具体差异,也阐释了中国热瓦普的丝路文化承载意义和乌兹别克热瓦普的民族文化象征价值。此次对比研究,旨在使读者能够厘清热瓦普这一乐器的整体演变脉络,也能为丝绸之路沿线民族文化的保护、传承提供参考思路。
摘要:“线”是广府音乐(粤曲、粤剧、广东音乐)乐语系统中的核心词汇。本文在笔者已发表的相关研究基础上,聚焦“线”作为乐器之弦的本源含义,梳理其从物理弦线到音高标准、定弦方式、直至调性风格的语义延伸历程。借助概念隐喻理论、转喻理论、原型范畴理论及具身认知理论,揭示“线”这一习语如何根植于乐人的乐器实践,经由认知机制成为广府音乐音高认知的枢纽概念。同时引入二弦形制、吕文成高胡改革等乐器学内容,并比较潮州音乐“调”与福建南音“管门”,以凸显广府“线”的独特价值。
(接上期) (二)国家合作及发文分析 本研究基于数据,首次系统揭示了主要国家在合作发文、被引影响及合作网络中的差异化特征。笔者利用VOSviewer对所选领域内各国发文情况展开国际合作共现网络分析,图中节点越大,代表该国的合作发文量越多,连线越粗,表示国家间的合作关系越紧密。如图2所示,全球参与钢琴制造研究的国家超过50个,其中中国、美国、日本、英国、法国、德国、意大利、澳大利亚之间连线较粗,
(接上期) (二)下方四度音程与上方五度音程叠加形成八度音程的第一共同倍音拍频关系 1. “37A~42D”下方四度音程第一共同倍音拍频差与“42D~49A”上方五度音程第一共同倍音拍频差(计算式见附录四) (1)理想弦状态下,“37A~42D”下方四度音程第一共同倍音拍频差(宽出0.98拍/秒)与“42D~49A”上方五度音程第一共同倍音拍频差(窄入0.98拍/秒)绝对值相等。 (2)利
摘要:弓段划分是小提琴基础运弓训练中的重要内容,但在教学中,常存在将中弓简化为一个点的认识误区,致使学习者以单一手型应对不同弓段,进而产生运弓僵硬、音质不统一等问题。本文基于教学实践,以重量中弓和长度中弓为分界点提出三段式弓段划分法,将弓子划分为下半弓段、中弓弓段和上半弓段,并分析各弓段的功能特点、对应弓法及训练要点。笔者认为,科学的弓段认知是基础运弓训练的关键,对提升教学效率与演奏质量具有实践意义。
摘要:阮乐在当代复兴的进程中曾面临传统曲谱失传、教学体系缺失与专业人才匮乏三重困境,亟须通过系统的学科建设推动其从伴奏乐器向独奏乐器转型。林吉良以演奏家、教育家、作曲家等多重身份,成为这一转型进程中不可或缺的核心人物。本文以学科建设为分析框架,从作品创作、教学体系、人才培养以及表现拓展四个维度,系统梳理林吉良对我国阮乐学科建设的贡献。林吉良的贡献不仅在于填补了阮乐学科的多项空白,更在于系统性完成了作品、教材、人才三大核心要素的整体建构,并为阮乐表现力拓展提供了理论指引,推动阮乐教学从民间师徒传承转向科学化专业教育,为我国民族器乐学科建设提供了极具价值的实践范式。
摘要:数字智能技术正深度影响民族音乐表演专业的教育结构。本文基于该领域教学智慧难传承、艺术表现力难量化、文化情境与实践场域缺失等现实问题,系统探讨了技术赋能的可行路径,并从政策、课程、校企、文化四方面提出了相应策略。本文的核心观点是:技术只是赋能手段,艺术教育的主体始终是人。因此,技术的应用必须坚持“以人为本、文化为根”,使数字智能技术更好地服务于民族音乐艺术的当代传承与创新传播。
摘要:绝对音感(AP)是否可后天习得,是幼儿音乐认知领域的重要问题,“天赋决定论”的观念造成理论与幼儿听觉启蒙实践脱节。本研究以4~6岁学龄前幼儿为对象,提出音高一唱名神经绑定是绝对音感内化生成的核心机理。采用个案研究法,对一名4.5岁零基础幼儿开展12周标准化教学干预与三年间断追踪,结合理论推演与双盲听音测试,辨析先天听觉差异与后天训练的关系。结果显示,黄金窗口期开展规范化音高一唱名绑定训练,能够帮助普通幼儿实现绝对音感认知固化。原创的唱名绑定法可为学龄前幼儿听觉素养培育提供理论支撑与可复制的家庭实践范式。
摘要:随着艺术形式的不断创新发展,合唱艺术表现形式得到极大拓展。将钢琴伴奏融入合唱艺术中,在音乐形象塑造、音乐情感表达方面收获了可观成效。如今,钢琴伴奏在合唱中发挥着越来越重要的作用,并已然成为合唱艺术不可或缺的一部分。基于此,本文以钢琴伴奏在合唱中不同于钢琴独奏、不同于器乐钢琴伴奏的特殊性为切入点,梳理了钢琴伴奏在合唱中的作用,并在此基础上探讨了钢琴伴奏在合唱中的作用实现路径,以期为相关人员进行同类研究提供有益参考。
摘要:老龄化社会发展的速度不断加快,老年教育已经变成大家非常关注的一个重点话题,而音乐教育作为其中的一个重要部分,对于提高老年人的生活质量有着很大的意义,交互式数字媒体技术依靠它本身的优势,给老年音乐教育带来新的机会,本文主要分析交互式数字媒体技术的含义,以及它与老年音乐教育的关联,结合目前老年音乐教育现状,并针对性地提出如何把这项技术应用到老年音乐教育中去。借助交互式数字媒体技术,切实地把老年音乐教育的质量提上去,让老年人真正做到老有所“乐”,把他们的精神文化生活变得更丰富。
摘要:本研究旨在通过一项教学观察个案,探索将芭蕾舞训练元素融入钢琴教学后,对学习者音乐表现力的提升效果。创新点在于剖析一种双向的互动机制:舞蹈如何将其身体韵律和表现力注入钢琴演奏,让琴声更具生命力;而钢琴的音乐性又如何为舞蹈化的身体动作提供情感支撑与走向。研究聚焦于钢琴与芭蕾的双向赋能,一方面将芭蕾舞者身体的节奏感转化为钢琴音韵的内在生命力;另一方面,借助钢琴的音乐分析能力提升芭蕾表演的叙事层次。通过案例分析与理论阐释,希望揭示一个核心观点:身体不仅是表达艺术的工具,更是理解艺术的内在途径,从而为表演艺术的跨学科融合探索新路。
摘要:为了促进中华优秀传统音乐文化传承、培养高校音乐生即兴伴奏核心素养,本文基于中国风视角切入研究,探索高校音乐生即兴伴奏教学模式创新路径。首先分析中国风视角下高校音乐生即兴伴奏教学模式创新的意义,其次分析开展教学创新的核心导向,最后结合在教学创新中所面临的挑战而提出包括深挖中国风音乐素材、更新教学理念、创新教学实施方法、优化教学评价体系等多重对策,用以丰富高校音乐教学内容,实现中华优秀传统音乐文化传承与音乐生专业能力提升的双向赋能,进而促进高校音乐生即兴伴奏教学创新改革。
摘要:贝多芬c小调钢琴奏鸣曲Op.13《悲怆》(亦称《悲怆奏鸣曲》)以深刻的情感张力与创新性音乐语言,成为维也纳古典乐派向浪漫主义音乐过渡的标志性作品。这部由贝多芬亲自冠以Grande Sonate pathétique(大奏鸣曲《悲怆》)标题的钢琴作品,既承载着古典主义音乐形式的严谨,又蕴含着超越时代的情感深度。本文以《悲怆奏鸣曲》作为研究对象,立足贝多芬的人生际遇与时代背景,通过分析作品悲剧性根源与内涵,从曲式结构与音乐语言两方面解读了悲剧性叙事的逻辑与表达,最后通过演奏实践分析探讨如何将抽象的悲剧内涵转化为可感的听觉体验。研究旨在为演奏者提供更具针对性的演奏思路,同时深化对这部作品艺术价值与情感内涵的理解,彰显其丰富动人的艺术魅力。
摘要:刘天华创作的《虚籁》是近现代作曲家独立创作琵琶文曲的创新典范。它突破了传统琵琶文曲多为民间传谱、较少留存明确原创作者的创作现状,融合了北方民间音乐元素与琵琶特有技法,集中展现了琵琶的艺术魅力。本文以《虚籁》为研究对象,围绕琵琶“刚柔并济、虚实相生、动静相宜”的艺术特质展开分析,从创作语境、风格把握、重难点技法等维度进行探讨,考察琵琶乐器独特表现力如何借助多元演奏技法得以实现,又如何反过来深化作品艺术表现的内在逻辑,揭示琵琶的艺术个性、演奏技法与艺术表达之间相互推动、彼此成就的关系,以期为琵琶演奏提供实践参考,帮助演奏者实现“技”与“艺”的融合,传承琵琶艺术精髓。
摘要:本文以格里格《培尔·金特》组曲为研究对象,从音乐符号学视角切入,系统探讨其和声技法的创新表现与意象建构机制。格里格通过对变和弦的革新性运用、中古调式与传统大小调巧妙融合以及多种转调手法的运用三个方面,实现了和声从单纯“功能语法”向“表意符号”的跨越。本文将作品中的和声技法提炼为叙事符号、色彩符号与民族文化符号三重维度,揭示了格里格如何通过声部织体、音响色彩与功能偏离等技术细节精准刻画戏剧冲突与人物心理,为浪漫主义和声语言的民族化与现代化表达提供了范例。
摘要:二胡独奏曲《曾侯乙传奇》将曾侯乙编钟、编磬的声学特性作为音响参照,在二胡与钢琴的器乐组合当中完成上古钟磬之音的写意转化。该作品并未对钟磬声响进行机械复制,而是以写意的方式构建金石礼乐的听觉意象。本文立足曾侯乙编钟、编磬固有的声学特征,从“钟声写意”“磬声写意”“音程与音阶同构”三个维度,解析该作品实现钟磬音响特征创造性转化的具体方式,梳理并阐明“声学特性—音乐语汇—文化意象”的完整转化路径,以此揭示作品“师古而不泥古”的创作内核,为解读该作品的音响设计逻辑,以及当代仿古题材器乐作品的分析提供理论依据。
摘要:《彝》是一首由青年古筝演奏家赵墨佳于2015年创作的现代风格古筝独奏作品。文章首先探索了乐曲的思想内涵,并深入探究乐曲的曲式结构、旋律特征等方面。其中重点分析乐曲中的特殊定弦、音乐主导动机等代表性旋律特征。同时,通过深入探讨筝曲中的代表性演奏技巧,以及演奏者在演奏过程中所表达的情感和音乐意境,分析乐曲当中所蕴含的思想内涵与《庄子·逍遥游》主旨之间的关联。论文旨在为现代古筝作品的创作、演奏等方面提供具有深度的理论支持,为现代古筝乐曲的理论研究与实践发展提供参考。
摘要:高校钢琴专业长期以“精准演奏”为核心培养导向,侧重乐谱忠实还原与技法规范呈现,与新时代基层音乐行业对复合型钢琴人才的需求存在适配缺口,“灵活即兴”能力缺失成为制约专科层次钢琴专业学生职业发展的关键短板。本文立足专科院校钢琴专业教学实际,剖析“精准演奏”与“灵活即兴”的能力特质差异,厘清专科院校学生能力转型的专属教学痛点,从目标、内容、方法、评价四维度构建能力转型教学逻辑体系并提出实践路径,结合专科办学特点给出落地建议。受试点样本规模与院校办学现实条件限制,本方案仍有待进一步迭代完善,可为大专层次钢琴专业人才培养模式改革提供探索性理论框架与本土化实践参考。
摘要:在高校萨克斯管专业教学中,技术训练长期占据课堂的主导位置,音乐鉴赏相对薄弱,导致部分学生虽能完成作品演奏,但在结构把握、风格理解和情绪表达方面仍显不足。针对这一问题,文章以达里于斯·米约的《丑角组曲》和阿尔弗雷德·德桑克罗斯的《前奏、华彩与终曲》为案例,开展为期8周的融合教学实践,将背景导入、结构听辨、版本比较与演奏调整纳入同一课堂。结果表明,该路径有助于提升学生的结构把握能力、情绪表达层次和风格理解水平,并为高校器乐教学中鉴赏与演奏的融合提供了可推广的实践思路。
摘要:本文聚焦贝内特·雷默的审美音乐教育哲学观在中小学音乐教学中的实践应用,梳理雷默审美音乐教育哲学的思想脉络,剖析该理论在我国中小学音乐课程标准中的落地体现。当前我国在推行“以审美为核心”的音乐教育过程中,普遍存在“为审美而审美”的固化思想、聆听方法僵化以及教学方式单一等问题。针对上述问题,本文提出应转向“为音乐而审美”的教育观念,推行分层递进的“有效聆听”策略,并创设唱、演、动、创等多元融合的审美教学路径,以促进学生在音乐体验中实现审美感知与艺术素养的协同发展,使审美成为学生真正走进音乐、理解音乐的桥梁。
摘要:生成式AI应用于中小学堂鼓演奏教学具备良好的实践潜力,可有效弥补传统教学短板、提升整体教学质量。本研究聚焦生成式AI在中小学堂鼓演奏教学中的落地路径,重点探究个性化训练与智能反馈的应用机制。依托生成式AI的实时反馈与数据分析功能,学生通过个性化训练可以快速掌握打击技巧与节奏感,提升演奏准确度与协作能力。教师可利用生成式AI输出的反馈报告优化教学策略,提升课堂管理效率。本研究为生成式AI在音乐教育领域的应用提供实践思路,也为后续教学模式创新提供理论参考。
摘要:在学前教育中,幼儿歌曲弹唱教学是培养儿童音乐感知、情感表达的重要途径。传统教学背景下,幼儿教师主要采用钢琴、电子琴、节拍器等工具,辅助开展教学活动。随着时代快速发展,科学技术水平快速提升,各种智能化工具在教学领域开始得到广泛地运用,如教学软件、应用APP等。类似的数字化教学工具不仅为幼儿音乐弹唱教学提供了大量的资源,同时还能激发幼儿兴趣,显著提高教学质量。本文首先对数字化教学工具及幼儿歌曲弹唱教学进行简单的介绍,进而分析数字化教学工具用于幼儿歌曲弹唱教学中的重要价值,最后结合教学开始的实际需求,探索具体的运用途径,希望为幼儿音乐教育工作者提供科学参考。
摘要:本研究旨在探究节奏教学在中学音乐课程体系中的核心地位与功能。通过系统分析节奏教学对学生音乐素养及综合能力发展的促进作用,本文阐释了其在深化音乐感知、强化音乐表达、激发音乐创造潜能等方面的重要作用。在此基础上,本研究进一步提出了若干具有操作性的节奏教学方法与实施策略,以期为教学实践提供参考,助力教师优化节奏教学设计,从而有效提升学生的音乐素养与整体艺术能力。
摘要:随着中职教育改革的深入推进,音乐教育在培养学生全面发展中的价值日益凸显。文章以乐器古筝为例,探讨中职音乐教育中学生音乐素养与自主学习能力的培养路径。首先剖析两者内涵,分析其对学生成长、教育本质及文化传承的意义;随后指出当前教育中技能与素养脱节、自主探索不足、师资支撑薄弱及保障机制缺失等现实困境;最终从优化课程体系、创新教学模式、强化师资建设、完善支持体系等方面提出针对性培养策略,以期为中职音乐教育的育人实践提供参考。
摘要:本文以“活”为核心,从表演实践视角探讨潮州筝乐的美学体系,着重分析其在音乐表演与演奏实践中的具体呈现。“活”是潮州筝乐从谱面走向舞台音响的灵魂所在。本文以潮州筝乐艺术实践为切入点,具体剖析了“活”在“作乐、传习、奏乐、合乐”四个维度的体现,展现了其从谱式思维、口传心授到活律作韵、即兴相和的完整方法体系。论证了“活”的本质在于“心”的主导,揭示了潮乐如何体现中国传统文化“重心”“重情”的生命关怀。并在审美理想层面,将“活”归结为于动态中求和谐、于规范中得自由的至高境界。潮州筝乐的“活”构建了一个完整的表演美学体系,通过演奏者的创造性实践将乐谱转化为生命律动,为传统音乐表演研究提供了范例。
摘要:扬琴室内乐作为当代民族器乐创作的重要分支,正由传统合奏模式向现代室内乐形态实现多维拓展。20世纪80年代后,民族器乐创作逐步与专业作曲技术体系接轨,扬琴艺术进入了一个技法融合的转型期,并在新时代民族音乐文化语境下朝着多维拓展的方向发展。本文以《镜花水月》《恰空》《双阙》《凤点头》四部代表性作品为研究对象,剖析当代扬琴室内乐的创作特征与审美趋向。通过实证分析可见,在多维创作探索下,扬琴正从传统功能性伴奏乐器,逐步迈向独立完整的艺术主体,为当代民族室内乐创作注入时代活力。
摘要:戴鹏海先生是中国近现代音乐史学科的第一代创建者,长期深耕于近现代音乐史学、音乐批评与歌剧创作分析等多个领域。他以实证为基、以人文为魂,率先发出“重写音乐史”的呼吁,力图修正既往部分史著中存在的片面化叙事倾向,其学术贡献促进了中国近现代音乐史研究的发展。本文在梳理戴鹏海学术历程、辨析现有研究成果的基础上,通过大量史料考证与文本分析,系统阐释其音乐史学观,以期为中国近现代音乐史研究提供学理借鉴,彰显其学术思想的当代价值。
摘要:作为我国第一部系统阐述乐的理论专文,《礼记·乐记》论述了乐的起源、形成和表现形式,指出“乐”本质上是“人心”对“外物”的情感反应和具象表现。本文以《乐记》中儒家乐教思想为研究核心,从情志本源、价值要义、教化方式等维度梳理其乐教体系,概括出德音标准、礼乐相济、贵和尚善、修身治世等相关内涵,并简要论述其历史影响与时代局限,以期为当代器乐美育提供启示。
摘要:琵琶历经千年迭代,形制体系逐步完善,先后进行直项到曲项、无品少品到多品全律、圆形蒙皮音箱到梨形实木音箱的核心变革,同时实现琴弦材质、演奏义甲、持琴体态的系统性改良。器物形制的持续优化是演奏技艺革新的核心前提,琴弦张力、音箱共鸣、琴身结构、品位布局的每一次调整,都直接推动持琴姿势、发力方式、演奏技法的迭代升级。琵琶演奏从唐代之前的拨子弹奏、横斜抱琴的古朴范式,逐步发展为竖抱指弹、技法多元、音色丰富的成熟体系,当代已形成上百种规范化演奏技法。本文以形制改良与技艺衍展的互动关系为核心,梳理琵琶历代器物形制演变脉络,剖析形制变革对持琴体态、弹奏方式、技法体系的决定性影响,探寻二者相辅相成的发展规律,为琵琶演奏艺术的传承与创新提供学理参考。
摘要:新疆社火自2021年被纳入了第五批国家级非遗名录,它的乐器体系体现了多民族音乐元素的并存。本文以新疆社火中的常见乐器作为研究对象,采用了文献研究法,结合实例分析对地方志、已发表的学术论文以及当地报纸进行整理归纳,系统性地阐述了新疆社火的历史起源、乐器种类、组合形式。通过研究发现,新疆社火中常见的乐器种类可分为汉族传统乐器和少数民族乐器两大类。在实际社火表演的乐器组合形式中,大致包含并列型、融合型、创生型三种形式。综上所述,对于新疆社火中常见的乐器种类与组合形式的研究,明确了新疆社火乐器体系的基本面貌,可为后续相关研究提供参考。
编者按: 本期乐林艺影栏目接上期继续刊登几幅著名画家王燕民先生绘制的乐器演奏题材的水墨人物作品,以飨读者。
摘要:数字音频技术与电子音乐制作理念的深度发展,正在推动传统管弦乐团编制范式的深刻重构。本文以VST虚拟乐器技术为切入点,系统研究了编制变革的内在逻辑与实践路径。研究表明,当代虚拟乐器厂商通过对乐团编制的功能性重构,形成了三条主要路径,分别体现为基于音响结果的反推式编制、基于频率分层的声部重组以及基于音乐功能的一键集成。这些重构路径共同指向从“乐器本位”到“音响本位”的范式转换,即编制不再首先意味着使用哪些乐器,而是首先意味着追求何种音响效果。这一重构是对传统管弦乐法的战略性拓展,而非简单替代,对于理解当代音乐创作的技术逻辑与发展方向具有重要理论与现实意义。
本期我给大家带来一首非常好听的原创布鲁斯风格曲目《E调布鲁斯》。曲目核心知识点是围绕E调布鲁斯相关联的和声与音阶去创作的,曲式结构上按照传统布鲁斯的12小节构架来完成,曲目中涵盖布鲁斯风格常见的各种类型的乐句和技巧,非常实用。关于布鲁斯的基础理论和重要性,之前的布鲁斯专题文章里已经讲到过了,这里不再做讲解。本期我主要带大家详细地分析下创作和运用的思路。 第1小节我是从9品~12品的把位开始的,是
聚会上的“炸场神器” “我自己是个超爱热闹的性子,组局自然是少不了的。但最近发现,很多时候大家出来聚,聊完近况就开始各自刷手机,场面经常很干。”用户林雪一直在寻找能让朋友聚会重新热起来的东西,直到她发现了AeroBand空气乐队吉他。 “看别人弹起来现场还挺燃的,我就立刻决定买一把回来试试。”作为一个完全没有乐器基础的人,她起初也有些担心——掌握一门乐器,到底要跨过多少道坎? 手指按在钢弦上
如果一把吉他将玫瑰木背侧板换成胡桃木,售价仍处于高价位,你还会购买吗?这个问题牵涉的远不只是两种木头的采购价格,我们怎样理解声音品质,怎样看待制作投入,又愿意为外观、传统与品牌支付多少费用,都会影响答案。 木材名称是认识吉他的入口,也容易成为判断的捷径。看到熟悉的木种,买家可以迅速联想到某类经典型号;面对另一种材料,则可能先问它“相当于什么档次”。但把木种排列成等级,再据此给整琴排序,会跳过制作
对吉他音色的极致追求,是一场无止境的个人修行。从琴体木材到指板弧度,从拾音器参数到效果器链路,从电子管型号到音箱箱体——吉他手们穷尽细节,却鲜少审视音色链条中的第一环:拨片。 Rombo Picks重新定义了这一环的价值。他们认为,拨片是演奏意图与声学输出之间的核心媒介,是触感与听感之间的精准转换器。历经多年研发,他们在设计、人体工学与材料科学领域持续突破,最终带来一款专为饱满、厚实、深邃音
“琴史”不好写!因此,尽管既往文献留存有大量相关史料,但古今琴学史专著依旧屈指可数,为学界所用的只有朱长文的《琴史》(成书于北宋元丰七年[1084年])和近代学者许健的《琴史初编》(1982年初版,2012年经修订扩充为《琴史新编》)。但北京琴家郭怀瑾敢于挑战、披荆斩棘,在近日出版了专著《漫谈琴史(远古至唐)》,此举不免吸引了琴学研究者的关注。虽然郭先生在书中说,其写作是因为疫情期间闲暇时的偶然兴
摘要:从谱面的音乐术语的识别到调式调性的判断,是西方音乐作曲分析法的基本步骤,但是这种音乐分析方法是否适合口口相传的中国民歌?在西方话语权主导的音乐史中,是否能够重建中国的音乐分析体系?施咏先生的《中国民歌音乐分析》便是对用西式音乐解构方法分析中国作品的正本清源。本文通过对全书民歌分析方法论进行系统概述并挖掘该书民歌研究的创新视角,阐述《中国民歌音乐分析》作为一本系统性中国音乐分析教材的价值——实现了从“西方视角”到“中国视角”的转变。
摘要:特色乐器产业是乡村产业振兴的重要载体,兼具经济、文化与民生多重价值。洛阳依托偃师马屯制鼓、伊川烟云涧青铜编钟两大民族打击乐器产业集群,形成国内规模领先的乡村特色制造业态。本文采用实地调研、案例对比等研究方法,系统剖析洛阳民族打击乐器产业的空间布局、业态结构、经营模式与市场竞争格局,并从空间、业态、文旅、文化传承四个维度识别产业瓶颈;对标国内乐器产业助力乡村振兴的成熟实践经验,构建全产业链升级、差异化空间布局、数字化转型、文旅美育融合、多元政策协同五大发展路径,为中原地区特色文化制造产业赋能乡村全面振兴提供理论参照与实操方案。
丝弦拨动盛世华章,管箫吹彻故土深情。一场贯通古今、融汇中国民族器乐的视听盛宴——“东方歌舞一枝花”国乐经典音乐会,于不久前在首都图书馆音乐厅隆重上演。 本场音乐会是“东方歌舞一枝花,文艺为民爱大家”全国精品巡演计划 中的重要一环。音乐会荟萃古乐新声:上溯敦煌礼乐、盛唐风华的传世意象,下接黄土故地、西域丝路的人间烟火,并在传统戏曲与民间音调的醇厚回响中,融入当代作曲家全新的艺术表达。音乐会精选了
第21届“星海杯”全国钢琴比赛总决赛暨颁奖音乐会,第二届星海音乐节,在北京圆满收官。历经四十余年的沉淀与发展,星海杯已经成长为国内极具代表性的自主品牌钢琴赛事。本届总决赛,汇聚了来自天南海北的青少年钢琴学子,奏响一场属于中国琴童的音乐盛会。赛场之内琴声此起彼伏,选手们指尖流转,尽情展现多年练琴积累下的功底;赛场之外,大师专题课、专场音乐会、文化研学等系列活动接连上演。这场赛事早已不只是一场简单的竞